PASARELA CIBELES 2012:

La pasarela Cibeles ya no se llama Cibeles fashion week, sino Mercedes Benz fashion week Madrid. Parece que ha encontrado un excelente patrocinador. Otras marcas que no tienen nada que ver con la moda son también patrocinadoras del evento, como Absolut Vodka, Burguer King, Mahou, movistar y muchas otras….
Enrique Loewe, presidente de la Fundación Loewe, ha opinado que "el problema de la moda española es que no hay empresarios" capaces de desarrollar una industria fuerte y competitiva. A pesar de que Amancio Ortega (Zara) e Isaac Andik (Mango) han demostrado que la industria textil es un excelente negocio, aún no hay empresarios que apoyen a la moda Española ni a los diseñadores. Estos se ven abocados a abarcar todos los aspectos del negocio: creación, comercialización, administración empresarial etc. que les lleva a abarcar demasiadas facetas para las que no están formados. Los diseñadores son creativos, pero no empresarios, y hay cierta alergia de los inversores españoles hacia el arte y la moda. Lo consideran un negocio frívolo y de segunda clase, más propio de mujeres que de grandes hombres de negocios.

Sin embargo nos encontramos con una de las mejores marcas de automóviles, y otras marcas de prestigio de diversos sectores han decidido apoyar la moda Española desde hace ya unos años. Bravo por la iniciativa.
Ahora necesitamos empresarios de prestigio que apoyen a nuestros creadores de moda, que son muchos y muy buenos.

EL BATIK

Desde el 2 de Octubre de 2009 el batik está considerado por la Unesco como obras maestras del patrimonio oral e inmaterial de la humanidad. El arte de Batik es el arte de hacer estampados o dibujos sobre tela con la técnica de la cera.

Al principio solo estaba permitido que utilizasen los estampados batik los miembros de la familia real Indonesia y sus seguidores. Posteriormente se permitió a los trabajadores de palacio utilizar este atuendo con un dibujo determinado como uniforme. Estos trabajadores enseñaron la técnica del Batik cada uno en su pueblo o ciudad, y con el tiempo, el arte del batik fue imitado por el pueblo y se convirtió en un hoby para las mujeres, que lo realizaban en el hogar para llenar su tiempo libre.

estampado de palacio

La ropa batik que utilizaba sólo la familia real, luego se convirtió en una prenda de vestir tradicional popular, tanto para mujeres como para hombres.

Hay varias técnicas de hacer batik, pero las reconocidas por la UNESCO son:

 Batik Halus, utilizando el método de Canting: El “canting es un instrumento de bambú que tiene un orificio muy fino por el cual baja la cera para poder contornear el dibujo sobre la tela. Es un sistema manual y hay que ser un buen artesano para poder realizarlo. El sello es un tampón de bronce que se estampa sobre la tela para dejarla marcada con la cera.

cera y canting

dibujando sobre la tela con cera

 Batik Cap, utilizando método de sello. El sello es un tampón de bronce que se estampa sobre la tela para dejarla marcada con la cera.

sello de bronce

estampando la cera sobre el tejido

Después de impregnar la cera sobre el tejido, ya sea con una de las técnicas o con la otra, éste se sumerge en una sustancia química que llaman naphtol, que se utiliza como mordiente o fijador del color, y a continuación se da el tinte, sumergiendo también el tejido en el color correspondiente. Entre un color y otro se vuelve a sumergir el tejido en Napthol, después en tinte, otra vez en mordiente, y así sucesivamente hasta conseguir impregnar la tela con los colores deseados.

colorantes y mordiente



sumergiendo el tejido en colorante














Por último se sumerge el tejido en agua hirviendo para quitar cualquier resto de cera, y una vez hecho esto se sumerge en agua fría para enjuagar el tejido, y se tiende a secar al aire.

Los tintes que se utilizan para el batik son naturales. Los materiales utilizados incluyen la corteza de Soga, las hojas de añil, la hoja de teca cúrcuma, Tegeran y mucho más. Comúnmente utilizados para la fijación de Tawas y sal como principios de mordiente. El uso de tintes naturales como éste requiere un tiempo más largo, donde necesita hasta 3 semanas solo para obtener un color, pero tiene sus propios valores que no se puede encontrar en el proceso químico de la coloración.

Este es el  imperfecto dibujo que realicé en el curso impartido en el museo del traje:

Es muy, muy dificil. Hay que ser un autentico artista para realizarlo.

EXPOSICIÓN DE YVES SAINT LAURENT:

No os perdáis la exposición de Yves Saint Laurent en la sala recoletos de la fundación Mapfre, Paseo de Recoletos nº 23. Estará hasta el 8 de Enero y es gratuita. Allí podemos ver una selección de diseños del maestro, en los que me llama la atención la enorme sencillez del diseño unida a la elegancia y grandiosidad de cada vestido, unido a un patronaje y confección impecables. Observo modelos de hace muchos años que siguen estando de plena actualidad. Nos lo podríamos poner mañana mismo sin llamar la atención por llevar algo antiguo y obsoleto. Al contrario, perecería que llevamos algo de última moda. En eso se caracterizan los grandes diseñadores. Sus creaciones no pasan de moda, y si pasan por encima de las tendencias.

Aparecen sus prendas emblemáticas, como las saharianas, el esmoquin y el “jumpsuit” (monopantalón). Yves Saint Laurent liberó a las mujeres, y diseñó para ellas los atuendos masculinos feminizándolos al máximo. Las vistió con esmoquin, con trajes de chaqueta de pantalón. Algo revolucionario en su momento pero que hoy vemos todos los días en la calle.

Se ve en sus creaciones una clara inspiración en Africa. De hecho pasó su infancia en Argelia, en la colonia francesa de Orán, donde nació, y al final de su vida se retiró a marrakech donde tenía una casa. Se nota por el uso de colores vivos y la presencia de estampados en sus colecciones. También le inspiraba lo español y los trajes de torero. Sus vestidos largos estaban llenos de volantes, y sus maravillosas chaquetas bordadas estaban inspiradas en las de los trajes de toreros.

 En el piso de abajo podemos apreciar los dibujos de sus colecciones. Están ordenados por el año en que se hizo la colección. En cada página vemos un conjunto de modelos de mañana, otra de tarde y otra de noche. Encima de cada boceto se ven los tejidos correspondientes para realizarlos.

También conjunto de toiles realizadas en tejido de retor o loneta, y una amplia variedad de moldes y patrones de sombreros. 

¿QUE OCURRE EN LA ESCUELA PUBLICA DE DISEÑO DE MODA?

Me ha encantado escuchar a Maya Hansen, diseñadora de corsés, decir en televisión que en España no hay ninguna escuela de moda donde enseñen a hacer corsés. ¡Claro! Como lo van a enseñar si los profesores no saben como se hace.

Os quiero contar lo que me ha ocurrido a mí. En Madrid solo hay una escuela pública donde se pueden cursar estudios de grado de “diseño de moda” desde el año pasado. Hasta el momento los estudios oficiales de diseño de moda consistían en una serie de cursos o módulos que se podían hacer en esta escuela. Los profesores aquí son contratados a través de una oposición a la que han tenido que presentarse previamente. Si apruebas y sacas la plaza o plazas ofertadas pasas a ser funcionario de carrera. En caso contario puedes tener la suerte de pasar a formar parte de una lista de interinos que serán los que hagan las sustituciones de profesorado si alguien se pone enfermo, o cubran un puesto de profesor si no hay ningún funcionario disponible para hacerlo.

Resulta sorprendente que cuando un interino es llamado a ejercer alguna sustitución, como ha sido mi caso, según el real decreto 363/2004 vigente hasta el momento, solo pueden impartir clase en esta escuela los interinos que tengan el titulo de bellas artes, y los que posean el título de diseño de moda oficial, expedido por el ministerio de educación, es decir por éste instituto. Si has estudiado diseño de moda en una escuela privada, ese título no te sirve porque no está homologado. Tampoco vale mi título de pedagogía, ni el de formación profesional en la especial de moda y confección que también tengo, ni los 22 años de experiencia profesional haciendo vestidos para mis clientes, ni el haber trabajado como profesor en una escuela de diseño privada.

Que pena, parece que las autoridades en educación consideran que sobre el diseño de moda saben más los licenciados en bellas artes, y además lo enseñan mejor. ¿Consideran que los pedagogos no saben enseñar? ¿Consideran que los profesionales de FP en moda y confección no saben nada de diseño de moda, ni de cómo se hace un vestido? ¿Consideran que la experiencia profesional no sirve para nada?

En esta escuela pública donde se imparten estudios de diseño de moda les voy a decir lo que enseñan: a dibujar figurines muy bonitos y coloreados, pero los alumnos no aprenden allí cómo se hace un vestido. Eso si, aprenden a dibujar de maravilla. Si van a ser diseñadores de moda ¿Cómo es eso posible? Los diseñadores de moda se dedican a hacer vestidos, que yo sepa. Los dibujos les van a servir de poco para hacerlos, en cambio aprender patronaje y confección les va a servir de mucho para ir con sus colecciones a las pasarelas o a las tiendas. Además en esta escuela tienen un taller de confección maravilloso con muchísimas maquinas de coser, mesas de corte y demás como en pocas escuelas he visto. Allí es donde me examiné de la oposición y cuentan con medios de sobra.

No conozco a ningún diseñador de los de verdad, no de los que tienen solo un título, que se dedique a dibujar muñecas maravillosas a todo color en láminas perfectamente limpias. Al contrario, dibujan bocetos de sus colecciones en cuadernos bastantes cutres y “guarrindongos”, por cierto, para que no se les olvide la idea que ha surgido en ese momento. Láminas de muñecas maravillosas solo dibujan 2 ó 3 como mucho, como carta de presentación de la colección. Eso los diseñadores pobres, porque los ricos le encargan esos dibujos a un ilustrador de moda.

Teniendo en cuenta que vivimos en un mundo cada vez mas competitivo y exigente, donde la alta productividad es básica para las empresas, creo que la escuela pública debería por lo menos preocuparse de ofrecer una oferta educativa acorde con lo que pide el mercado de trabajo, y olvidarse de enseñar conocimientos poco prácticos e improductivos para las empresas contratantes.

España desgraciadamente es un país especialista en lanzar al mercado de trabajo, profesionales que no tienen ni idea de cómo ejercer su profesión. De ahí viene esa falta de productividad de la que tanto se habla. Ese trabajar tantas horas para rendir muy poco. A ver cuando empezamos a cambiar, y se empiezan a hacer las cosas con más sentido común.

IDENTIDADES JUVENILES, TRIBUS URNBANAS, IMAGEN Y SOCIEDAD:

 Se ha celebrado en el museo del traje de Madrid un seminario sobre tribus urbanas, identidades juveniles, imagen y sociedad. Organizado por la Universidad Rey Juan Carlos, el ministerio de cultura y el museo del traje. Han resultado muy interesantes las reflexiones sobre los movimientos juveniles.

Las manifestaciones juveniles se plantean como hechos sociales de carácter multicultural. Son muchas las causas que inciden en la aparición de de éstas tribus urbanas, que se reflejan en la forma de vestir y en adoptar una estética determinada.

Desde un punto de vista filosófico la “identidad” del ser humana está formada por el cuerpo, que es la materia que alberga al espíritu. El cuerpo lo adornamos con el vestuario mostrando el espíritu como identidad personal a través de la indumentaria. Los jóvenes intentan que se visualice también lo que hay detrás de la fachada creando una imagen con significado. Se da prioridad al cuerpo y a su representación social como cuerpo vestido, transformado o decorado porque vestirse es crear cultura y permite interaccionar entre las personas. Se considera al cuerpo como sujeto.

En las tribus urbanas existe una “intersubjetividad” e identificación con un colectivo. Son grupos cada cual con sus valores. Se tiene una estética determinada que acompaña a unos valores o una forma de pensar determinada. Al vivir en una sociedad multi-cultutral, donde las comunicaciones son cada vez más rápidas, las interrelaciones sociales son constantes, lo que produce mezclas dentro de cada grupo juvenil. Hay movimientos de importación y exportación. Por ejemplo dentro de la corriente del hip hop se dan subgrupos, y en cada país la misma corriente juvenil hace suyos determinados estereotipos, asumen unos valores y otros no.

Los movimientos juveniles  suelen aparecer como una protesta social hacia algo que no les gusta. Visten de manera transgresora para enfrentarse a determinados cánones establecidos con los que no están de acuerdo. Suelen adoptar formas de vestir vanguardistas en el momento de su aparición. Es un descrédito pertenecer a una vanguardia. Lo hacen para llamar la atención y expresar de esa forma sus ideales. En definitiva: es una forma de comunicación y expresión como cualquier otra. Los jóvenes se unen  y se enfrentan a lo que está establecido, y eso es lo que quieren comunicar. Esa es la base de la aparición y creación de tribus o identidades urbanas. Son movimientos muy ideológicos.

Esta moda se ve en la calle y la adoptan muchos otros jóvenes aunque no pertenezcan al grupo en cuestión. Lo hacen porque les gusta esa moda en un momento determinado. Adoptan esa forma de vestir de modo temporal y luego la abandonan. Realizan una búsqueda de si mismos adoptando diferentes estilos en determinados momentos de su vida hasta que encuentran su propia imagen personal, que se suele corresponder con sus creencias y forma de vida.

Estos movimientos juveniles están también muy ligados a otras manifestaciones artísticas y culturales como la música, el cine y la literatura, que se van retroalimentando los unos de los otros. Por ejemplo el movimiento “mod” está ligado a la música de los who, y se representa claramente  en la película Quadrophenia. El punk fue muy bien representado por el grupo musical sex Pistols, los góticos están muy ligados a la literatura y la poesía, las Lolitas japonesas y el visual kei están ligados a los manga, y el rapp a su música y bailes.

Tras la ponencia con tres jóvenes pertenecientes a las llamadas tribus urbanas: un punk, una gótica y un rapero, se llegó a la conclusión de que no se puede encasillar ni estereotipar a los individuos dentro de una tribu. Es un error porque aunque pertenezcan a un grupo siempre prima la individualidad personal. Buscan la diferenciación de los demás como seres independientes. Cada persona es un mundo y, y esa forma de ser se demuestra en su forma de vestir, de peinarse y de adornarse. El estilo y lo que quieren expresar con ello es lo importante. Están de acuerdo con el ideario del grupo, pero no al cien por cien, porque hay valores que les gustan y otros que no.

II FERIA DE MODA VINTAGE DE MADRID

 Es muy recomendable visitar esta exposición que se celebra en el centro comercial moda shopping de Madrid por segundo año consecutivo. Podemos ver una exposición de vestidos de novia antiguos, comisariada por Lorenzo Caprile, que se ha encargado de seleccionarlos, y una exposición de magníficas fotos de Ruben Afanador con Nieves Alvarez como modelo que se titula la bella y la bestia.

Los vestidos de novia son de todo tipo, propios de la época de principios del siglo XX. Imperan los de puntillas y encajes y los de años 20. Hasta finales del siglo XIX la moda era casarse de negro para las personas ricas, y con el traje popular en los pueblos y ciudades para los pobres, hasta que la reina Victoria Eugenia se casó con un vestido blanco, y desde entonces se puso de moda este color para las novias.

Lo mas llamativo son los tocados, todos ellos muy originales. Había algunos que parecían gorros de baño.

Aparte de ver tan bonitos trajes, se puede comprar moda y joyas vintage en los puestos donde exponen sus productos varias marcas comerciales. Hay un puesto con los corsés de Maya Hansen que están tan de moda. Puedes comprar puntillas antiguas, joyas, mantillas, trajes de novia y hasta chaquetones de piel.

No os lo perdáis porque termina mañana.

NO EXISTE EL NÚMERO UNO:

¿Quién es el mejor diseñador del mundo? Ninguno.

En moda, y en cualquier vertiente de estética o artística no existe el nº1. No existe el mejor diseñador del mundo  porque es algo que no se puede cuantificar. Si existe el diseñador que mas vende del mundo, porque es una medida cuantificable. Por ejemplo Zara es la empresa de moda que mas vende, es el nº1 en ventas. Si existe el que mas chaquetas ha realizado…En cambio ser el mejor diseñador es imposible porque depende de las opiniones de los demás que son siempre subjetivas, por muy expertos que sean los que opinen. Por lo tanto es ridículo querer ser el mejor. No hay que ser ni el mejor ni el peor, hay que ser bueno o muy bueno. Eso si que es evidente para todo el mundo. Un trabajo bien hecho cae por su propio peso, nadie puede negarlo.

Por eso recomiendo a todos los diseñadores, sobre todo a los futuros, que no se “desgañiten” queriendo ser el mejor, porque nunca lo van a conseguir. Eso les crea mucha frustración. Alguna vez puedes ganar un premio de diseño porque al jurado que te ha tocado en ese momento le ha gustado tu trabajo, y por eso ganaste. No quiere decir que seas el nº 1. Lo que si quiere decir es que eres muy bueno, igual que todos los finalistas que compitieron contigo en el concurso y no ganaron. El premio es una muestra y un reconocimiento de un trabajo bien hecho. Quiere decir que entras en el club de los “muy buenos” y eso es lo que importa. Significa que debes seguir trabajando así y mejorando constantemente.